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RESENHA: A Mata Negra (2018)

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Mata Negra

[Por Jota Bosco]

Começo logo essa resenha dizendo que sou suspeito pra falar do trabalho de Rodrigo Aragão pelo motivo de: sou tiete! O cara é, sem sombra de dúvidas, o maior representante das produções de horror no país atualmente. Passo a passo foi crescendo como produtor e diretor, conquistando seu espaço e indo, apesar dos poucos recursos, onde ninguém tinha ido antes no gênero aqui no país. Faz filme com cara de produção hollywoodiana e consegue até captação de verba por edital sem ser filme de gente que mora no Sertão com mensagem bonita no final.

Rasgação de seda à parte, bora falar de A Mata Negra, filme que estreou no último Fantaspoa e conta as desventuras da jovem Clara (interpretada por Carol Aragão, a filha do diretor e que já fez papeis em outras produções do pai, mas que pela primeira vez é uma protagonista), criada por Pai Pedro (personagem do sempre marcante Markus Konká), e que vê-se envolvida em uma série de problemas que iniciam com o adoecimento de seu tutor.

A situação dela piora em um encontro com um moribundo Albino (Sim! Ele mesmo! O personagem interpretado pelo Walderrama dos Santos está de volta!) que lhe dá a missão de salvar sua alma destruindo o Livro Perdido de Cipriano em troca de um saco de moedas de ouro. E piora ainda mais ao ter de enfrentar uma legião de fanáticos religiosos liderados pelo pastor Francisco das Graças (papel protagonizado pelo nosso Charles Bronson, Jackson Antunes) e sua fiel escudeira Abigail (numa divertida atuação de Mayra Alarcón, esposa do diretor e também produtora do filme).

Em sua saga, Clara se apaixona pelo jovem Jean (Elbert Merlin), pede a ajuda do granjeiro José (o ótimo Francisco Gaspar que fez o palhaço Cangaço em “Condado Macabro”), que mora com sua mãe, Dona Vera (Margareth Galvão provando que é um tipo de Fernanda Montenegro do horror até mesmo sem falar uma palavra no filme) e com a grávida e resmunguenta Maria (Clarissa Pinheiro). No decorrer da trama, até mesmo um dos vilões, Socó (Marco Antônio Reis), se junta à jovem aventureira em sua luta contra o mal.

Como deve ter dado para notar, A Mata Negra é bastante densa (risos) e esse talvez seja o único elo fraco da obra. O ritmo acaba sendo um pouco prejudicado na apresentação e “união” de tantos personagens no roteiro. Mas nada que chegue a sequer perto de estragar o produto final.

A Mata Negra foge um pouco dos já tradicionais filmes de zumbi de Rodrigo, cheios de gore e humor escrachado, partindo aqui para uma abordagem mais séria do horror “universal” e de nosso folclore (que o diretor já flertou muito bem em As Fábulas Negras, de 2015). Mas… calma! A obra ainda tem momentos divertidos e cenas e enquadramentos que remetem à obra de diretores como Sam Raimi (da franquia Evil Dead e Arraste-me Para o Inferno), àquele Peter Jackson de antigamente (o Peter Jackson de raiz, de Fome Animal), além de um cara que acho que tem uma obra bem similar a de Rodrigo pelos finais “apoteóticos” que é o Álex de la Iglesia (do ótimo O dia da Besta e As bruxas de Zugarramurdi). Também temos de destacar a excelente maquiagem e efeitos práticos (ou não) que já são quase uma assinatura das produções da Fábulas Negras.

Enfim, A Mata Negra chega para mostrar mais uma vez que existe horror feito no Brasil, com cara de Brasil e de ótima qualidade! Torça para que esse filme consiga uma distribuição pelas salas de cinema ou, ao menos, que entre na programação da TV a cabo como as demais obras do diretor.

Dica: Acompanhe o trabalho do próximo filme (O Cemitério das Almas Perdidas) através da página no Facebook da produtora Fábulas Negras.

Escala de tocância de terror:

Título original: A Mata Negra
Direção e roteiro: Rodrigo Aragão e Alexandre Callari
Elenco: Carol Aragão, Francisco Gaspar, Jackson Antunes
Ano de lançamento: 2018
País de origem: Brasil

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RESENHA: O Telefone Preto (2022)

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Telefone Preto

O Telefone Preto (The Black Phone), novo horror da Universal Pictures, tem co-produção da ilustríssima Blumhouse, direção de Scott Derrickson (O Exorcismo de Emily Rose, A Entidade) e roteiro baseado em um conto de Joe Hill, escritor badalado, filho de ninguém menos que Stephen King. Como se não bastasse tudo isso, o vilão ainda é interpretado pelo duas vezes indicado ao Oscar, Ethan Hawke. Bom, o golpe tá aí… cai quem quer.

O filme se passa no subúrbio de North Denver, Colorado, em 1978. A vizinhança está assustada, pois crianças estão sendo raptadas na área. A polícia segue as pistas do serial killer, apelidado pela imprensa de The Grabber (Ethan Hawke), mas pouco se sabe sobre ele, apenas que dirige um furgão e usa balões pretos para encobrir seus ataques.

O tema central do O Telefone Preto é o bullying, problema enfrentado por Finney (Mason Thames), jovem de classe média baixa que é perseguido na escola, e que será a vítima do The Grabber que iremos acompanhar no decorrer do filme. A clássica história de superação dos próprios medos, materializados na figura bizarra do vilão.

Enquanto o garoto é mantido refém, sua irmã Gwen (Madeleine McGraw) corre por fora para convencer as autoridades que seus dons paranormais podem ajudar na busca. Mas o sobrenatural não está presente só nesse recorte da trama. O tal telefone do título é um aparelho quebrado, que fica no cativeiro de Finney, e pelo qual ele recebe ligações das vítimas anteriores. Nas interações, os meninos assassinados tentam ajudá-lo a derrotar o psicopata.

O problema é que O Telefone Preto, em nenhum momento, nos dá qualquer indício de que todo esse enredo vai terminar fora do lugar comum. Nada sai da fórmula hollywoodiana. E com crianças como protagonistas, todos os vícios de produções recentes, como IT – A Coisa e Stranger Things, são requentados, mesmo que a fotografia de Brett Jutkiewicz deixe a obra mais sombria que a tendência atual

Nem Ethan Hawke, que parecia ser o trunfo do filme, pela sua aparência bizarra, se mostra tão ameaçador. Não é preciso mostrar tudo da vida pregressa do antagonista. Muitas vezes, a falta de informação funciona melhor para endossar o mistério sobre seus atos. Só que o roteiro o relegou ao papel de um mascarado que entra e sai de um cômodo, dizendo frases soltas, como se só isso bastasse para externar sua loucura.

Talvez no conto, Joe Hill tenha conseguido lhe dar mais personalidade, mas a trama desenvolvida por Scott Derrickson e C. Robert Cargill pena para trazer qualquer aflição ao espectador. O Telefone Preto é só mais um exemplo de terror que tenta assustar com um personagem feio, um sustinho aqui, outro ali, e uma história universal sobre superação. Recuse a chamada.

Escala de tocância de terror:

Direção: Scott Derrickson
Roteiro: Scott Derrickson e C. Robert Cargill (baseado no conto de Joe Hill)
Elenco: Mason Thames, Madeleine McGraw e Ethan Hawke
Origem: EUA

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RESENHA: Fúria (2019)

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Rabid

Quando saiu a notícia que iria rolar um remake de RABID, clássico de ninguém menos que David Cronenberg – filme que aqui no Brasil saiu com o título infame de “ENRAIVECIDA NA FÚRIA DO SEXO” – eu fiquei num misto de curiosidade e medo do que viria. Mas aí vi que essa empreitada seria realizada pelas Irmãs Soska e fiquei bem animado, pois as gêmeas diretoras tem uns filmes cabulosos no currículo.

Nesta nova versão (chamada no Brasil de “Fúria“), dirigida por Jen e Sylvia Soska, a partir do roteiro de John Serge no qual elas também assinam, acompanhamos Rose, uma design de moda que se envolve em um acidente e fica com o rosto desfigurado. Sem esperanças de recuperar a aparência e voltar ao mundo da moda, resolve se inscrever numa clínica de estética adepta de um movimento chamado “TRANS-HU-MA-NI-SMO” que não é aceito pela comunidade médica. Como voluntária, acaba se submetendo ao procedimento milagroso que restaura toda estrutura do seu rosto. Não bastasse a aparência, a moça passa a se sentir melhor em todos os sentidos. Mas não demoram a surgir os efeitos colaterais… e eles são pra lá de sinistros.

Em nenhum momento as diretoras escondem sua admiração por Cronenberg. Há referências frequentes de sua obra durante o longa, sendo que uma em especial acaba se destacando de tão gritante que é. E é claro que o sadismo aqui impera, marca registrada das gêmeas cineastas em seus longas anteriores – vide “T IS FOR TORTURE PORN” e “AMERICAN MARY“. E assim como o diretor canadense, as irmãs também são chegadas a um body horror raiz. Aqui, usam e abusam de efeitos práticos pra nos conferir muita nojeira e bizarrice. Em uma cena temos uma “cobra” e uma axila… Bem, basta dizer que esta cena dificilmente será esquecida, por exemplo.

Apesar de seguir a mesma premissa do “RABID” original, este remake tem suas diferenças – o que já é esperado – e a mais importante é a forma com que Rose, vivida por Laura Vandervoort (Biten), é construída. Ao contrário do original, nossa protagonista não passa o filme todo assistindo impassiva às transformações que seu corpo e mente sofrem. Aqui, nossa heroína evolui dentro da trama, passando a ter domínio de suas ações, dando força e profundidade à personagem.

O ponto forte aqui tá no desenvolvimento da personagem principal, como já mencionado, e na violência extremamente gráfica toda artesanal, que garante uma seboseira danada com muito sangue em tela. Infelizmente, a maquiagem dá uns vacilos como na deformidade do rosto da protagonista, o que as vezes fica bem fake. Há também umas cenas toscas aqui e ali, mas os pontos fracos mesmos estão mais em alguns personagens que poderiam simplesmente nem existir, tipo o boyzinho que fica enchendo o saco da moça o filme todo.

Esta nova versão de “RABID” peca por tentar acrescentar mais elementos à trama do que ele precisaria de fato, mas nada que estrague a sua experiência. No fim das contas, o remake das Irmãs Soska agrada e acaba fazendo “bonito”. Pena que esta refilmagem passou meio batida pelo público do gênero e pouco se falou a respeito. Quem ainda tá torcendo o nariz e ainda não viu, tá vacilando.

Escala de tocância de terror:

Direção: Jen e Sylvia Soska
Roteiro: John Serge e Irmãs Soska
Elenco: Laura Vandervoort, Benjamin Hollingsworth, Ted Atherton
Ano de lançamento: 2019

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RESENHA: Eles Existem (2014)

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Por Júlio César Carvalho

Em 1999, a dupla Daniel Myrick e Eduardo Sánchez concebeu ao mundo o icônico A Bruxa de Blair (The Witch Blair Project) que chamou a atenção por deixar muita gente com a pulga atrás da orelha se perguntando se as imagens exibidas das tais fitas VHS achadas eram reais, ressuscitando assim o estilo found-footage já existente, porém, até então não tão popularizado. 15 anos depois, Eduardo Sánchez revisita estilo que o lançou, mas seria melhor que não o tivesse feito. (mais…)

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