O cartaz de 1976 de A Bruxa que Veio do Mar (The Witch Who Came from the Sea) mostra uma mulher de seios fartos e abdômen à mostra, vestindo uma capa escura esvoaçante. Em uma das mãos, ela ergue uma foice ensanguentada sobre a cabeça, enquanto na outra segura a cabeça decepada de um homem. O sangue pinga sobre a ilhota rochosa onde ela está e as ondas quebram ao redor, com seus longos cabelos varridos pelo vento. “Molly realmente sabe como rebaixar os homens!”, diz o slogan em letras amarelas vibrantes, com a palavra *cut* (cortar/reduzir) sublinhada por um traço vermelho. Trata-se de um cartaz excelente, tanto como publicidade *pulp* quanto como pintura, exibindo pinceladas impressionistas que borram a linha entre o mar turbulento e o céu. A imagem promete uma fantasia sobrenatural com nudez gratuita e uma vingança deliciosamente sangrenta, mas The Witch Who Came from the Sea não é esse tipo de filme. É algo muito melhor.

Millie Perkins interpreta Molly, uma garçonete que passa o tempo livre bebendo e assistindo à televisão em excesso, além de cuidar dos sobrinhos enquanto sua irmã, Cathy (Vanessa Brown), costura roupas para tentar complementar a renda entre um cheque de assistência social e outro. Molly entretém os garotos com histórias sobre o pai deles, um capitão de navio cujo corpo, segundo ela, foi levado pelo oceano. “Só o cérebro dele se perdeu no mar”, retruca Cathy, cujas lembranças reais sobre o pai contrastam com o romantismo de Molly: “Ele era um filho da puta. E, mais do que ninguém, você sabe disso.” Molly está simultaneamente traumatizada, em negação e consumida pela culpa devido aos abusos do pai, que, nos flashbacks, são abafados pelo som das ondas rugindo. Romantizar o passado é uma forma de lidar com a dor; beber é outra. A terceira é o assassinato.

Diversos homens que esperam ter relações com Molly acabam castrados e mortos. As mortes evitam a fórmula de violência cinematográfica pós-Psicose com aquela tensão crescente que explode em close-ups e cortes rápidos, abraçando uma atmosfera lenta e irreal, que utiliza lentes anamórficas oníricas e efeitos sonoros para distorcer as vozes dos personagens. O sangue já está jorrando quando o espectador percebe que a cena não é um sonho ou uma fantasia, mas algo que realmente está acontecendo. Isso cria um efeito de choque totalmente atípico, que não surge do aspecto grotesco das mortes, mas sim da harmonia delas com a melancolia que permeia a obra. O filme deve esse coração melancólico à extraordinária atuação de Millie Perkins. Ela se mostra ao mesmo tempo infantil e materna, frágil e assustadora, delicada e irada, sendo fascinante testemunhar o trabalho de uma verdadeira mestra em cena.

No final dos anos 1950, Perkins trabalhava como modelo quando George Stevens viu sua foto e decidiu que ela deveria interpretar a protagonista em sua adaptação de O Diário de Anne Frank. Ela relutou em fazer o teste de câmera, até porque nunca havia atuado antes. Em uma entrevista de 2007, a atriz relembrou que, quando o diretor a escolheu, ficou claro que ele não a ensinaria a atuar, de modo que tudo teria que ser feito por puro instinto. Essa entrega instintiva, somada à sua beleza etérea, lhe dava todas as características de uma estrela de cinema — ou teria dado, caso ela tivesse surgido uma década mais tarde.

Em vez de se tornar uma queridinha da Nova Hollywood nos anos 1970, ela se viu em conflito com os limites do sistema de estúdios, recusando papéis enquanto estava sob contrato. Stevens comentou mais tarde que Millie não se encaixava na época porque estava dez anos adiantada. Embora ela e seu vizinho Jack Nicholson tivessem idades semelhantes quando coestrelaram os westerns de Monte Hellman em 1966, The Shooting e Ride in the Whirlwind, as carreiras dos dois já caminhavam em trajetórias opostas.

Informação publicada originalmente por www.fangoria.com.

Crédito: conteúdo adaptado a partir de publicação original de www.fangoria.com.

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Buffet Infinity circula há algumas semanas na web e quem o encontra tem dificuldade em parar de comentar. Considerem isto mais um desses comentários entusiasmados.

O filme de Simon Glassman é construído inteiramente a partir de falsos comerciais locais de Westridge County, Canadá. Esse é o formato do filme.

Você assiste a uma pilha de gravações de um canal a cabo local do início dos anos 1990 com: spots de baixo orçamento para negócios que parecem a um mês de fechar; anúncios de utilidade pública com sinceridade excessiva; vinhetas de jornal; e ocasionais de interstícios estranhos que não fazem muito sentido.

A luz nas cenas é errada mas da maneira certa. As escolhas de jingles são corretas e devastadoras. Cada spot passa a sensação de que alguém gastou suas economias de aposentadoria para comprar trinta segundos numa TV comunitária — e isso é o maior elogio que se pode fazer.

Se você cresceu perto de uma televisão nos anos 1990, algo neste filme vai te atingir onde você menos espera. Glassman pesquisou a fundo. Mais impressionante, ele foi além do trabalho de pesquisa.

O conflito central envolve dois estabelecimentos que dividem um centro comercial em Westridge County. De um lado, Jenny’s Sandwich Shop, um ponto tradicional que alimenta a comunidade há anos e tem clara identidade própria. Do outro, a recém-chegada Buffet Infinity, um restaurante all-you-can-eat que é agressiva e alegremente errada de maneiras inicialmente difíceis de nomear.

O arco de Jenny’s Sandwich Shop é o trecho mais engraçado de uma filmagem de horror-nonsense. Os comerciais da Jenny’s começam totalmente normais e seguem para um lugar que eu não esperava, depois para outro, e então para outro ainda. Não dá pra ter ideia do que vem a seguir — não de uma forma caótica ou de choque gratuito, mas de alguém tão comprometido com sua lógica interna que você precisa parar de prever e começar a assistir.

O elenco é pequeno e cada membro atua em um nível que o filme tecnicamente não exige. Kevin Singh, Claire Theobald, Donovan Workun, Ahmed Ahmed e Brandon Vanderwall interpretam personagens inseridos em uma realidade intensificada muito específica, do tipo em que todo mundo em um comercial é cerca de quinze por cento mais sincero com seu produto — e ninguém pisca. Difícil de resistir.

Fonte: originalmente publicado por ihorror.com.

Crédito: conteúdo adaptado a partir de publicação original de ihorror.com.Leia o artigo original

Após os sucessos de Obsessão e Backrooms, parece que executivos de estúdio não estão perdendo tempo em buscar o próximo grande fenômeno do horror na internet. Segundo o Deadline, a série viral do YouTube The Mandela Catalogue é a mais recente a ganhar uma adaptação para as telonas.

United Artists, por meio de Scott Stuber, Amazon MGM Studios e a Amblin, de Steven Spielberg, conquistaram os direitos após o que o Deadline descreve como uma acirrada disputa entre 11 estúdios. O criador de The Mandela Catalogue, Alex Kister, dirigirá a adaptação a partir de um roteiro que ele coescreveu com Tyler Clifton.

Para quem não conhece, The Mandela Catalogue, a série, que estreou no YouTube em 2021, se passa no fictício condado de Mandela, Wisconsin, e acompanha as ações malignas de doppelgängers metamórficos e perturbadores chamados Alternates. Desde sua estreia, a série acumulou mais de 100 milhões de visualizações, gerando um universo que inclui spin-offs, vídeos de reação e uma base de fãs dedicada a analisar cada episódio e seus temas religiosos.

Como já foi observado, a Amazon claramente observa o sucesso de Kane Parsons com Backrooms; junto com The Mandela Catalogue, essa produção é considerada um dos títulos principais do gênero “analog horror”, muito popular entre os jovens atualmente. Esperando um resultado parecido nas bilheterias, a Amazon é mais uma a entrar na onda de adaptar memes e sucessos da internet para o cinema, seguindo o anúncio recente de que uma adaptação de Siren Head está em desenvolvimento pela Warner Bros.

E lembre-se: se você encontrar outra pessoa idêntica a você, fuja e se esconda.

Informação publicada originalmente por www.fangoria.com.

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