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RESENHA: O Grito (2020)

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O grito

Passados 16 anos do lançamento de um remake que rendeu duas continuações (uma delas feita para lançamento em vídeo), temos aqui o quarto filme da franquia americana de “O Grito”.

O Grito

Era necessário? Claro que não! Mas sabe como é, os estúdios adoram ressuscitar toda e qualquer franquia, fazer algo “novo” com ela em um orçamento enxuto (aqui estimado entre 10 e 14 milhões de dólares) e, com sorte, mais sequências. Até porque se sabe que a maior fatia do público-alvo do longa não sabe mais quem é Sarah Michelle Gellar… Nem sequer devem se ligar que essa franquia, baseada em outra série de filmes japoneses, existia.

Curiosamente, tanto o filme de 2020 quanto o primeiro de 2004, conseguem refletir bastante o momento no qual eles foram lançados. “O Grito”, versão 2004, fez parte de uma leva de remakes hollywoodianos de filmes japoneses de terror que ganharam atenção internacional. Eram produções da era do terror juvenil feito para conseguir uma censura mais leve, PG-13, com muitos sustos e pouca violência gráfica. Não que o chamado J-Horror caia no gore, mas na hora da “tradução”, muito do desconforto e do clima opressor e minimalista desses filmes era perdido, com longas que não conseguiam (e nem se interessavam) em replicar o impacto dos originais. Também foi o caso de O CHAMADO, PULSE, ÁGUA NEGRA até se chegar ao fiasco que foi a refilmagem de UMA CHAMADA PERDIDA.

“O Grito”, versão 2020, vem sendo chamado de “sidequel”, por apresentar novamente uma narrativa fragmentada (igual ao JU-ON: O GRITO de 2002 e o seu remake), onde 4 histórias que se passam entre 2004 e 2006 na Pensilvânia são contadas em paralelo.

Um grande acerto do diretor e roteirista Nicolas Pesce (de THE EYES OF MY MOTHER) foi conseguir um elenco repleto de gente talentosa com uma ótima Andrea Riseborough no papel da detetive Muldoon, que mesmo alertada pelo seu parceiro, o amargurado detetive Goodwin (Demián Bichir), investiga uma série de mortes brutais que aparentam não ter nenhuma ligação, a não ser uma casa de número 44 em Reyburn Drive que então era ocupada pela família Landers.

É após entrar e sair do local que ela começa a ver e ouvir os fantasmas vingativos e sofrer alucinações, justamente como aconteceu com o detetive Wilson (William Sadler), o parceiro anterior de Goodwin. Através de sua investigação, ela passa a conhecer mais a fundo as histórias dos outros personagens, vividos por John Cho, Betty Gilpin, Jacki Weaver, Frankie Faison e por último, Lin Shaye, sendo uma velha sinistra pela enésima vez.

O novo filme não poupa muito o espectador de violência gráfica e apresenta um grupo de personagens adultos bem sofridos, que já passavam por momentos difíceis em suas vidas antes da chegada de qualquer ameaça sobrenatural, o que é uma surpresa no cenário atual de “filmes de fantasma de multiplex”. O porém é que o nível de tensão se iguala a zero, não só para quem tem um mínimo conhecimento da franquia, mas porque o espectador sabe de antemão o trágico destino da maioria dos personagens, todos subdesenvolvidos. Isso sem falar dos ‘jump scares’ que são de uma preguiça sem tamanho.

Do jeito que está, “O Grito”, versão 2020, é muito ‘trem fantasma’ para o público que gosta de um horror mais diferentão e lento demais para o pessoal fã do terror Blumhouse e cia. Ou seja, não agrada nem um e nem outro. O filme fica no meio termo, mas só por tentar alguma ousadia, em ser algo próximo de um “feel bad” disfarçado de terror comercial, ainda pode-se dizer que ele merece uma conferida, nem que seja para você tirar as suas próprias conclusões.

*Filme assistido em cabine de imprensa promovida pela Espaço Z

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RESENHA: O Telefone Preto (2022)

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Telefone Preto

O Telefone Preto (The Black Phone), novo horror da Universal Pictures, tem co-produção da ilustríssima Blumhouse, direção de Scott Derrickson (O Exorcismo de Emily Rose, A Entidade) e roteiro baseado em um conto de Joe Hill, escritor badalado, filho de ninguém menos que Stephen King. Como se não bastasse tudo isso, o vilão ainda é interpretado pelo duas vezes indicado ao Oscar, Ethan Hawke. Bom, o golpe tá aí… cai quem quer.

O filme se passa no subúrbio de North Denver, Colorado, em 1978. A vizinhança está assustada, pois crianças estão sendo raptadas na área. A polícia segue as pistas do serial killer, apelidado pela imprensa de The Grabber (Ethan Hawke), mas pouco se sabe sobre ele, apenas que dirige um furgão e usa balões pretos para encobrir seus ataques.

O tema central do O Telefone Preto é o bullying, problema enfrentado por Finney (Mason Thames), jovem de classe média baixa que é perseguido na escola, e que será a vítima do The Grabber que iremos acompanhar no decorrer do filme. A clássica história de superação dos próprios medos, materializados na figura bizarra do vilão.

Enquanto o garoto é mantido refém, sua irmã Gwen (Madeleine McGraw) corre por fora para convencer as autoridades que seus dons paranormais podem ajudar na busca. Mas o sobrenatural não está presente só nesse recorte da trama. O tal telefone do título é um aparelho quebrado, que fica no cativeiro de Finney, e pelo qual ele recebe ligações das vítimas anteriores. Nas interações, os meninos assassinados tentam ajudá-lo a derrotar o psicopata.

O problema é que O Telefone Preto, em nenhum momento, nos dá qualquer indício de que todo esse enredo vai terminar fora do lugar comum. Nada sai da fórmula hollywoodiana. E com crianças como protagonistas, todos os vícios de produções recentes, como IT – A Coisa e Stranger Things, são requentados, mesmo que a fotografia de Brett Jutkiewicz deixe a obra mais sombria que a tendência atual

Nem Ethan Hawke, que parecia ser o trunfo do filme, pela sua aparência bizarra, se mostra tão ameaçador. Não é preciso mostrar tudo da vida pregressa do antagonista. Muitas vezes, a falta de informação funciona melhor para endossar o mistério sobre seus atos. Só que o roteiro o relegou ao papel de um mascarado que entra e sai de um cômodo, dizendo frases soltas, como se só isso bastasse para externar sua loucura.

Talvez no conto, Joe Hill tenha conseguido lhe dar mais personalidade, mas a trama desenvolvida por Scott Derrickson e C. Robert Cargill pena para trazer qualquer aflição ao espectador. O Telefone Preto é só mais um exemplo de terror que tenta assustar com um personagem feio, um sustinho aqui, outro ali, e uma história universal sobre superação. Recuse a chamada.

Escala de tocância de terror:

Direção: Scott Derrickson
Roteiro: Scott Derrickson e C. Robert Cargill (baseado no conto de Joe Hill)
Elenco: Mason Thames, Madeleine McGraw e Ethan Hawke
Origem: EUA

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RESENHA: Fúria (2019)

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Rabid

Quando saiu a notícia que iria rolar um remake de RABID, clássico de ninguém menos que David Cronenberg – filme que aqui no Brasil saiu com o título infame de “ENRAIVECIDA NA FÚRIA DO SEXO” – eu fiquei num misto de curiosidade e medo do que viria. Mas aí vi que essa empreitada seria realizada pelas Irmãs Soska e fiquei bem animado, pois as gêmeas diretoras tem uns filmes cabulosos no currículo.

Nesta nova versão (chamada no Brasil de “Fúria“), dirigida por Jen e Sylvia Soska, a partir do roteiro de John Serge no qual elas também assinam, acompanhamos Rose, uma design de moda que se envolve em um acidente e fica com o rosto desfigurado. Sem esperanças de recuperar a aparência e voltar ao mundo da moda, resolve se inscrever numa clínica de estética adepta de um movimento chamado “TRANS-HU-MA-NI-SMO” que não é aceito pela comunidade médica. Como voluntária, acaba se submetendo ao procedimento milagroso que restaura toda estrutura do seu rosto. Não bastasse a aparência, a moça passa a se sentir melhor em todos os sentidos. Mas não demoram a surgir os efeitos colaterais… e eles são pra lá de sinistros.

Em nenhum momento as diretoras escondem sua admiração por Cronenberg. Há referências frequentes de sua obra durante o longa, sendo que uma em especial acaba se destacando de tão gritante que é. E é claro que o sadismo aqui impera, marca registrada das gêmeas cineastas em seus longas anteriores – vide “T IS FOR TORTURE PORN” e “AMERICAN MARY“. E assim como o diretor canadense, as irmãs também são chegadas a um body horror raiz. Aqui, usam e abusam de efeitos práticos pra nos conferir muita nojeira e bizarrice. Em uma cena temos uma “cobra” e uma axila… Bem, basta dizer que esta cena dificilmente será esquecida, por exemplo.

Apesar de seguir a mesma premissa do “RABID” original, este remake tem suas diferenças – o que já é esperado – e a mais importante é a forma com que Rose, vivida por Laura Vandervoort (Biten), é construída. Ao contrário do original, nossa protagonista não passa o filme todo assistindo impassiva às transformações que seu corpo e mente sofrem. Aqui, nossa heroína evolui dentro da trama, passando a ter domínio de suas ações, dando força e profundidade à personagem.

O ponto forte aqui tá no desenvolvimento da personagem principal, como já mencionado, e na violência extremamente gráfica toda artesanal, que garante uma seboseira danada com muito sangue em tela. Infelizmente, a maquiagem dá uns vacilos como na deformidade do rosto da protagonista, o que as vezes fica bem fake. Há também umas cenas toscas aqui e ali, mas os pontos fracos mesmos estão mais em alguns personagens que poderiam simplesmente nem existir, tipo o boyzinho que fica enchendo o saco da moça o filme todo.

Esta nova versão de “RABID” peca por tentar acrescentar mais elementos à trama do que ele precisaria de fato, mas nada que estrague a sua experiência. No fim das contas, o remake das Irmãs Soska agrada e acaba fazendo “bonito”. Pena que esta refilmagem passou meio batida pelo público do gênero e pouco se falou a respeito. Quem ainda tá torcendo o nariz e ainda não viu, tá vacilando.

Escala de tocância de terror:

Direção: Jen e Sylvia Soska
Roteiro: John Serge e Irmãs Soska
Elenco: Laura Vandervoort, Benjamin Hollingsworth, Ted Atherton
Ano de lançamento: 2019

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RESENHA: Eles Existem (2014)

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Por Júlio César Carvalho

Em 1999, a dupla Daniel Myrick e Eduardo Sánchez concebeu ao mundo o icônico A Bruxa de Blair (The Witch Blair Project) que chamou a atenção por deixar muita gente com a pulga atrás da orelha se perguntando se as imagens exibidas das tais fitas VHS achadas eram reais, ressuscitando assim o estilo found-footage já existente, porém, até então não tão popularizado. 15 anos depois, Eduardo Sánchez revisita estilo que o lançou, mas seria melhor que não o tivesse feito. (mais…)

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