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RESENHA: Meu Namorado é um Zumbi (2013)

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Namorado é um Zumbi

Por Júlio Cesar Carvalho

WARM BODIES (Corpos quentes) é uma adaptação do livro homônimo de Isaac Marion que ganhou o título aqui no Brasil de MEU NAMORADO É UM ZUMBI. Primeiro de tudo: Que título nacional é esse, hein? Além de horrível, foge do real sentido do roteiro e ainda remete à ondinha ‘Crepúsculo‘. Aqui não tem uma jovem donzela dividida entre dois marmanjos que disputam seu amor. Na verdade, nem tem exatamente um ‘namorado zumbi’ como o ridículo título nacional sugere.

Em meio a um apocalipse zumbi, acompanhamos o dia a dia de R, um zumbi que, além de comer cérebros, mora em um avião e curte ouvir vinil. Aliás, tudo é narrado pelo próprio R que compartilha de seus pensamentos o tempo todo: “Por que eu não consigo me conectar com as pessoas? Ah, certo, é que estou morto. Eu não deveria exigir tanto de mim mesmo. Tipo, estamos todos mortos. Essa garota está morta. Aquele cara tá morto. Aquele cara lá no canto está definitivamente morto. Jesus, esse tá horrível!”

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Na premissa, existem 3 raças: Humanos, zumbis e os ossudos. A diferença entre Zumbis e Ossudos é resumida pelo próprio R assim: “Chamam esses caras de Ossudos. Eles não incomodam muito, mas comem qualquer coisa que tenha batimentos cardíacos. Tipo, eu também como, mas pelo menos eu me incomodo com a situação”. Visualmente os Ossudos são apenas uns esqueletos, com restos de carne bem podre mesmo, totalmente selvagens, cegos e que correm pra cima de qualquer coisa que emita sinais vitais. Sendo assim, os zumbis não são alvos dos Ossudos por motivos óbvios. Então, eles ‘convivem’.

Ao que parece, os zumbis pensam, mas não tem habilidades motoras pra se expressar com maestria. R explica em um certo momento que quando eles comem cérebro há uma absorção das lembranças e até sentimentos da vítima. Aí acontece que durante um ataque zumbi a um grupo de humanos, R ingere o cérebro do namorado de Julie que este passa a sentir como namorado dela, salvando-a do ataque levando a humana para seu lar. Resumindo: R tá chapado e pronto. Daí em diante ele mantém ela uns dias sob sua proteção. Ah, detalhe que R levou o cérebro do cara junto e, de vez em quando, ele dá uma chapada comendo uns pedacinhos escondido.

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Ah, legal a referência a Shawn Of The Dead, quando R diz pra Julie imitar um zumbi pra passar despercebida e ainda dá uma bronca: “Sem exageros!” Sem contar que R tem um Blu-Ray lindo do ZOMBIE, clássico do Lucio Fulci.

Passamos 99% do filme acompanhando o lado zumbi de tudo. Isso hora é interessante e legal quando mostra a relação entre amigos zumbis, hora soa forçado quando R escuta vinil e ‘diz’ que é porque o som é mais ‘vivo’. Entre R e Julie há um clima de romance criado meio que pela convivência e chapação causada pelo cérebro ingerido, mas não é só nisso que o roteiro se sustenta.

O pai da Julie é vivido por Jonn Malkovich que faz o tipo “pai da Beth Ross” em Hulk. A fotografia é muito boa e fica a cargo do diretor de fotografia do ótimo OS OUTROS. A trilha sonora vai de Bob Dylan a Guns`N`Roses e em situações bem encaixadas. Os Ossudos são construídos em CGI de segunda, mas como WARM BODIES é um filme de baixo orçamento, dá pra passar.

Warm-Bodies-kO final é clichê? Claro que é, mas além de ser bem amarrado, faz todo sentido pra trama. Em suma, o diretor Cris Buttler nos confere, entre altos e baixos, um filme com um tom ‘indie’ tecnicamente competente que segue fiel ao que se propõe do começo ao fim. WARM BODIES dá pra assistir de boa e até dar umas risadas, mas não é nada demais também não.

Título original: Warm Bodies
Direção: Jonathan Levine
Roteiro: Jonathan Levine (baseado no livro de Isaac Marion)
Elenco: Nicholas Hoult, Teresa Palmer, John Malkovich
Origem: EUA, Canadá

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Anarquista, quase cinéfilo, diretor de arte, fotógrafo, cervejeiro, rockeiro doido e crítico/podcaster do Toca o Terror

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RESENHA: O Telefone Preto (2022)

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Telefone Preto

O Telefone Preto (The Black Phone), novo horror da Universal Pictures, tem co-produção da ilustríssima Blumhouse, direção de Scott Derrickson (O Exorcismo de Emily Rose, A Entidade) e roteiro baseado em um conto de Joe Hill, escritor badalado, filho de ninguém menos que Stephen King. Como se não bastasse tudo isso, o vilão ainda é interpretado pelo duas vezes indicado ao Oscar, Ethan Hawke. Bom, o golpe tá aí… cai quem quer.

O filme se passa no subúrbio de North Denver, Colorado, em 1978. A vizinhança está assustada, pois crianças estão sendo raptadas na área. A polícia segue as pistas do serial killer, apelidado pela imprensa de The Grabber (Ethan Hawke), mas pouco se sabe sobre ele, apenas que dirige um furgão e usa balões pretos para encobrir seus ataques.

O tema central do O Telefone Preto é o bullying, problema enfrentado por Finney (Mason Thames), jovem de classe média baixa que é perseguido na escola, e que será a vítima do The Grabber que iremos acompanhar no decorrer do filme. A clássica história de superação dos próprios medos, materializados na figura bizarra do vilão.

Enquanto o garoto é mantido refém, sua irmã Gwen (Madeleine McGraw) corre por fora para convencer as autoridades que seus dons paranormais podem ajudar na busca. Mas o sobrenatural não está presente só nesse recorte da trama. O tal telefone do título é um aparelho quebrado, que fica no cativeiro de Finney, e pelo qual ele recebe ligações das vítimas anteriores. Nas interações, os meninos assassinados tentam ajudá-lo a derrotar o psicopata.

O problema é que O Telefone Preto, em nenhum momento, nos dá qualquer indício de que todo esse enredo vai terminar fora do lugar comum. Nada sai da fórmula hollywoodiana. E com crianças como protagonistas, todos os vícios de produções recentes, como IT – A Coisa e Stranger Things, são requentados, mesmo que a fotografia de Brett Jutkiewicz deixe a obra mais sombria que a tendência atual

Nem Ethan Hawke, que parecia ser o trunfo do filme, pela sua aparência bizarra, se mostra tão ameaçador. Não é preciso mostrar tudo da vida pregressa do antagonista. Muitas vezes, a falta de informação funciona melhor para endossar o mistério sobre seus atos. Só que o roteiro o relegou ao papel de um mascarado que entra e sai de um cômodo, dizendo frases soltas, como se só isso bastasse para externar sua loucura.

Talvez no conto, Joe Hill tenha conseguido lhe dar mais personalidade, mas a trama desenvolvida por Scott Derrickson e C. Robert Cargill pena para trazer qualquer aflição ao espectador. O Telefone Preto é só mais um exemplo de terror que tenta assustar com um personagem feio, um sustinho aqui, outro ali, e uma história universal sobre superação. Recuse a chamada.

Escala de tocância de terror:

Direção: Scott Derrickson
Roteiro: Scott Derrickson e C. Robert Cargill (baseado no conto de Joe Hill)
Elenco: Mason Thames, Madeleine McGraw e Ethan Hawke
Origem: EUA

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RESENHA: Fúria (2019)

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Rabid

Quando saiu a notícia que iria rolar um remake de RABID, clássico de ninguém menos que David Cronenberg – filme que aqui no Brasil saiu com o título infame de “ENRAIVECIDA NA FÚRIA DO SEXO” – eu fiquei num misto de curiosidade e medo do que viria. Mas aí vi que essa empreitada seria realizada pelas Irmãs Soska e fiquei bem animado, pois as gêmeas diretoras tem uns filmes cabulosos no currículo.

Nesta nova versão (chamada no Brasil de “Fúria“), dirigida por Jen e Sylvia Soska, a partir do roteiro de John Serge no qual elas também assinam, acompanhamos Rose, uma design de moda que se envolve em um acidente e fica com o rosto desfigurado. Sem esperanças de recuperar a aparência e voltar ao mundo da moda, resolve se inscrever numa clínica de estética adepta de um movimento chamado “TRANS-HU-MA-NI-SMO” que não é aceito pela comunidade médica. Como voluntária, acaba se submetendo ao procedimento milagroso que restaura toda estrutura do seu rosto. Não bastasse a aparência, a moça passa a se sentir melhor em todos os sentidos. Mas não demoram a surgir os efeitos colaterais… e eles são pra lá de sinistros.

Em nenhum momento as diretoras escondem sua admiração por Cronenberg. Há referências frequentes de sua obra durante o longa, sendo que uma em especial acaba se destacando de tão gritante que é. E é claro que o sadismo aqui impera, marca registrada das gêmeas cineastas em seus longas anteriores – vide “T IS FOR TORTURE PORN” e “AMERICAN MARY“. E assim como o diretor canadense, as irmãs também são chegadas a um body horror raiz. Aqui, usam e abusam de efeitos práticos pra nos conferir muita nojeira e bizarrice. Em uma cena temos uma “cobra” e uma axila… Bem, basta dizer que esta cena dificilmente será esquecida, por exemplo.

Apesar de seguir a mesma premissa do “RABID” original, este remake tem suas diferenças – o que já é esperado – e a mais importante é a forma com que Rose, vivida por Laura Vandervoort (Biten), é construída. Ao contrário do original, nossa protagonista não passa o filme todo assistindo impassiva às transformações que seu corpo e mente sofrem. Aqui, nossa heroína evolui dentro da trama, passando a ter domínio de suas ações, dando força e profundidade à personagem.

O ponto forte aqui tá no desenvolvimento da personagem principal, como já mencionado, e na violência extremamente gráfica toda artesanal, que garante uma seboseira danada com muito sangue em tela. Infelizmente, a maquiagem dá uns vacilos como na deformidade do rosto da protagonista, o que as vezes fica bem fake. Há também umas cenas toscas aqui e ali, mas os pontos fracos mesmos estão mais em alguns personagens que poderiam simplesmente nem existir, tipo o boyzinho que fica enchendo o saco da moça o filme todo.

Esta nova versão de “RABID” peca por tentar acrescentar mais elementos à trama do que ele precisaria de fato, mas nada que estrague a sua experiência. No fim das contas, o remake das Irmãs Soska agrada e acaba fazendo “bonito”. Pena que esta refilmagem passou meio batida pelo público do gênero e pouco se falou a respeito. Quem ainda tá torcendo o nariz e ainda não viu, tá vacilando.

Escala de tocância de terror:

Direção: Jen e Sylvia Soska
Roteiro: John Serge e Irmãs Soska
Elenco: Laura Vandervoort, Benjamin Hollingsworth, Ted Atherton
Ano de lançamento: 2019

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RESENHA: Eles Existem (2014)

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Por Júlio César Carvalho

Em 1999, a dupla Daniel Myrick e Eduardo Sánchez concebeu ao mundo o icônico A Bruxa de Blair (The Witch Blair Project) que chamou a atenção por deixar muita gente com a pulga atrás da orelha se perguntando se as imagens exibidas das tais fitas VHS achadas eram reais, ressuscitando assim o estilo found-footage já existente, porém, até então não tão popularizado. 15 anos depois, Eduardo Sánchez revisita estilo que o lançou, mas seria melhor que não o tivesse feito. (mais…)

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